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MUSIQUE
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MUSIC.T he dont Wovo'LKiI See also:grec (S6. TEXvi)), ce mot est dérivé, a été appliqué très largement pour embrasser tout excédent de See also:ces arts que See also:les neuf See also:Muses (aai de See also:MOIS) ont été tenus pour présider. Différé du ryvµvaaTLKid il (gymnastique) a inclus ces branches d'éducation concernées par See also:le développement de l'esprit par opposition au See also:corps. Ainsi arts et See also:des See also:sciences largement différents telles que des mathématiques, l'See also:astronomie, la poésie et literaturegenerally, et même lisante et écrivante tomberaient tout See also:sous µovvLKi7, sans compter que le chant et le réglage de la poésie lyrique. Sur la valeur éducative de la musique dans la formation du caractère les philosophes ont étendu l'effort en See also:chef, et ceci a polarisé leur See also:analyse esthétique. ` Apµovia (See also:harmonie), ou appovud (See also:Sc TEXvil), plutôt que µovvLKi?, était le nom donné par les Grecs à l'See also:art d'arranger des bruits afin de créer une impression esthétique définie, laquelle cet See also:article traite. Le See also:CROQUIS I. Introduction.As d'cI.general une musique mûre et indépendante d'art est inconnu excepté sous les formes modernes réalisées par See also:civilisation d'Western; musique See also:antique, et la musique non-européenne de aujourd'hui, étant (à des exceptions insignifiantes d'un caractère qui confirme la généralisation) invariablement une See also:adjonction de la poésie ou de la See also:danse, pour autant qu'elle est reconnaissable comme art du tout. L'art See also:moderne de la musique est en position See also:unique; pour, alors que sa See also:langue a été complètement créée par art, See also:cette langue est encore tellement parfaitement organisée quant à soit en soi normal; de sorte que bien que la musique d'un âge ou modèle puisse être d'abord unintelligible à un auditeur qui est accoutumé à un autre modèle, et bien que l'auditeur peut s'aider en acquérant l'information quant aux caractéristiques et à la signification du nouveau modèle, il apprendra mieux à le comprendre en privant simplement son esprit des préjudices et en permettant à la musique de se rendre intelligible par sa propre individu-uniformité. La compréhension de la musique ne dépend ainsi finalement ni des connaissances techniques ni de la See also:convention, mais de l'expérience immédiate et familière de l'auditeur d'elle; une expérience que les connaissances techniques et la See also:coutume peuvent naturellement l'aider pour acquérir plus rapidement, comme ils renforcent sa mémoire et lui permettent de fixer des impressions en les appelant. Au delà de certains faits élémentaires des acoustiques (voir le See also:BRUIT), la musique moderne ne See also:montre aucun raccordement See also:direct avec la nature indépendamment de l'art; en effet, c'est déjà un art qui détermine le choix de ces faits acoustiques élémentaires, juste comme dans l'art de See also:peinture détermine le choix de ces faits qui relèvent de la See also:connaissance du systeme See also:optique.' Dans la musique, cependant, les principes purement acoustiques sont incomparablement moins et plus simples que les principes optiques de la peinture, et leur interaction See also:artistique les transforme en quelque chose aucun moins éloigné des expériences de laboratoire de la science See also:acoustique que du unorganized des bruits de nature. Le résultat est que tandis que les expériences non-artistiques ordinaires de la vue ont les moyens tellement le matériel pour l'art en plastique que la See also:conception vulgaire de la bonne peinture est qu'elle est trompeusement comme la nature, l'expérience non-artistique See also:ordinaire du bruit a tellement peu en See also:commun avec musique que le réalisme musical est, avec rare bien que des exceptions populaires, généralement considérées comme une excentricité. Ce contraste entre la musique et l'art de plastique peut être en See also:partie expliqué par le travail mental subi, pendant l'petite enfance la plus tôt de la course et de l'individu, en interprétant des sensations de l'See also:espace. Quand un bébé apprend la See also:forme des objets en les prenant dans des ses mains, et avance graduellement à la découverte que ses orteils appartiennent à lui, il See also:passe par une quantité de travail qui est tout oublié par l'adulte, et sa complexité et difficulté peut-être seulement a été entièrement réalisée par l'expérience des personnes qui ont été aveugle né mais a acquis la vue à un âge mûr par une opération. Un tel travail donne aux faits de la See also:vision normale d'adulte par quantité de principe organique qui lui fait la matière première de matière excellente, pour l'art. La See also:puissance des sensations de distinction de bruit est associée sans une telle compétence mentale, et est plus complexe que la puissance de See also:couleurs de distinction. D'autre See also:part, retentissez est le See also:milieu See also: D'ailleurs, la gens-musique et la musique actuelle des courses non-européennes barbares et civilisées fournissent l'étude d'origines musicales avec analogue matériel au ce liven par les façons et les coutumes actuelles de différentes courses dans l'étude de l'évolution sociale et de l'histoire antique. Nous pouvons mentionner comme exemples la comparaison précise des balances musicales des courses non-européennes entreprises par A. J. See also:Ellis (sur les échelles musicales de diverses nations, de 1885); le parallèle See also:recherche et raisonnement aigu et prudent de son ami et collaborateur, A. J. Hipkins (dorien et Phrygian reconsidéré d'un See also:point de vue, d'un 1902 non-harmoniques); et, peut-être surtout, l'étude de la musique japonaise, avec son remarquable si signes incertains du commencement d'une tendance harmonique, de sa See also:concordance See also:logique, et de son affinité aux balances occidentales, See also:points dans lesquels il semble montrer une grande avance sur la musique chinoise de laquelle sa majeure partie est dérivée (musique et See also:instruments musicaux du Japon, par J. F. Piggott, 1893). Le lecteur trouvera des See also:comptes détaillés de la musique grecque antique dans l'article sur ce sujet dans le See also:dictionnaire de la See also: D'ailleurs, en conséquence de nos notions harmoniques nous pensons aux balances comme construit du fond vers le haut; et même dans l'article mentionné ci-dessus dans le dictionnaire de la plantation que toutes les balances grecques sont, de la force fine de l'See also:habitude, écrite vers le haut. Mais l'idée antique et, presque universellement, primitive de la musique est comme See also:celle de la parole, dans laquelle la plupart des inflexions sont en fait des cadences, alors que les inflexions de montée expriment des sentiments moins habituels, tels que la surprise ou l'interrogation. Encore, notre idée musicale moderne d'"haut" et d'"See also:bas" est probablement dérivée d'un sens d'un plus See also:grand et moins vocal effort; et elle a été beaucoup stimulée par notre sens harmonique, qui a rendu nécessaire une See also:gamme des bruits incomparablement plus grands que ceux utilisés dans n'importe quel système non-harmonique. Les Grecs ont dérivé leur utilisation des See also:limites de la position des notes sur leurs instruments; et était le hypate grec ce que nous devrions appeler la plus See also:basse See also:note du See also:mode, alors que le nete était le plus haut. Monsieur See also:George See also:Macfarren a précisé (Ency. Brit., 9ème "musique" d'cEd, d'art.) ce Boethius (c. A.d. 500) déjà 'est tombé dans le piège et a tourné les modes grecs à l'envers. Une autre idée fausse moins See also:grotesque de See also:radical cependant était également déjà bonne éclatée par Macfarren; mais elle survit toujours fréquemment à aujourd'hui, puisque l'étude des balances non-harmoniques est, avec le meilleur des intentions, susceptible plutôt d'See also:encourager que pour le dissiper. Plus que nous nous rendons See also:compte de l'importance des différences en position des intervalles de diverses tailles, en tant que production des différences de caractère dans les balances, plus est la tentation de considérer les modes grecs antiques comme différant de l'un l'autre de cette façon plus irrésistible. Et la tentation devient plus grande au See also:lieu de moins quand nous avons réussi à penser loin nos notions harmoniques modernes. L'harmonisation moderne augmente énormément les différences de l'expression entre les modes desquels les intervalles mélodiques sont différents, mais elle fait ceci d'une mode qui tire l'See also:attention presque entièrement loin de ces différences d'See also:intervalle; et sans trouvaille d'See also:avenue d'harmonie il extrêmement difficile de distinguer un mode des autres, à moins qu'il soit par cet See also:arrangement différent des intervalles. Néanmoins, toute l'évidence tend irrésistiblement à la conclusion que tandis que les trois balances grecques generadiatonic, chromatiques, et d'enharmonicwere différant dans les intervalles, les modes grecs étaient des séries de balances identiques dans l'arrangement de l'intervalle, et de différer, comme nos clefs modernes, seulement dans le See also:lancement. Les trois genres ont été appliqués à tous ces modes ou clefs, et nous n'avons aucune difficulté en comprenant leurs effets de modification. Mais le See also:seul See also:indice nous devons le processus mental par lequel dans différentes caractéristiques d'un âge preharmonic peut être attribué aux balances identiques en tout sauf le lancement, doit être trouvés dans la See also:boussole limitée des bruits musicaux grecs, correspondant comme elle fait au sensitiveness évident de l'See also:oreille grecque aux différences dans l'effort vocal. Nous avons observer seulement la boussole de la See also:balance grecque pour voir cela en modes les plus estimés qu'il est beaucoup plus la boussole de parler que des See also:voix de chant. Le chant moderne est normalement à un lancement beaucoup plus élevé que cela de la voix parlante, mais il n'y a aucune See also:raison normale, en dehors de la nature particulière de la musique moderne, pourquoi ceci devrait être ainsi. Il est fortement probable que tout le chant moderne frapperait une oreille grecque classique comme tollé; et de toute façon de telles See also:variations de lancement comme sont inconsidérables dans le chant moderne sont extrêmement emphatiques dans la voix parlante, de sorte qu'elles pourraient jaillir font toute la différence à une oreille unaccustomed au bruit organisé au delà de la boussole parlante. Encore, beaucoup qu'See also:Aristoxenus et d'autres autorités antiques indiquent du caractère des modes (ou des clefs) tend à confirmer la vue que ce caractère dépend de la position du mese ou principal dans la boussole générale. Ainsi See also:Aristotle (la See also:politique, v. (viii.) les déclarer 1342 de 7, b. 20) que certains modes graves conviennent aux voix de vieux hommes, et nous pouvons conjecturer ainsi que même la position des tonalités et des semitones pourrait en modes doriens et de Phrygian introduire la partie plus "bold"de la balance dans chacun des trois genres dans les meilleures régions de la jeune voix See also:moyenne, alors que le ionien et le Lydian pourraient mener la voix pour insister davantage sur des semitones et des intervalles enharmonic, et ainsi expliquez le caractère héroïque de l'ancien et sensual caractère du dernier (See also:Platon, République, 398 à 400). Des genres grecs, le See also:chromatique et enharmonic (particulièrement il vaut la See also:peine d'ajouter qu'au 16ème siècle où le grand compositeur contrapuntal See also:Costanzo Porta avait été mené par des doutes sur sujet à la conclusion merveilleuse que la musique grecque antique était See also:poly-phonic, et ainsi construit quant à soyez inversible; dans l'See also:illustration de quelle théorie lui et Vincentino ont composé les motets à quatre parties dans chacun des genres grecs (diatonic, chromatique et enharmonic), Porta étant construit comme les 12èmes et 13èmes fugues dans le der Fuge de Kunst de See also:Bach afin d'être également mélodieux quand à l'envers chanté! (voir l'histoire de See also:Hawkins de la musique, du T2 5 de i. 1 le dernier) montrez très clair l'origine de tant de balances primitives dans l'intervalle du quatrième de haut en bas. Cet intervalle (par exemple de C à G) est censé pour être le rapport mélodique le plus tôt que l'oreille a appris à fixer; et la plupart des balances primitives ont été constituées par l'See also:augmentation des notes auxiliaires au fond de cet intervalle, et l'addition d'un intervalle semblable, avec les augmentations semblables, au-dessous de l'ancien. De cette façon une balance pentatonic, comme celle de tant de mélodies écossaises, peut facilement être formée (ainsi, C, A, See also: En même temps, la base d'une musique jusqu'ici non mûre et l'See also:auxiliaire au drame, sur un auxiliaire acoustique de la science aux mathématiques a priori, n'étaient pas sans inconvénient à l'art; et il est défendable que la grande difficulté avec laquelle pendant les commencements médiévaux de l'harmonie moderne les accords du troisième et sixième aient été rationalisées a pu avoir été augmentée à gauche par le fait ce le système de See also:Pythagorean ces intervalles considérablement hors de l'See also:air. En quelques périodes preharmonic les mathématiques ne pourraient pas diriger même l'oreille la plus observatrice vers l'étude de ces phénomènes des partials supérieurs desquels See also:Helmholtz, en 1863, était le premier pour expliquer la signification; et ainsi bien que les Grecs aient See also:su la différence entre un important et la tonalité mineure, sur laquelle la moitié de la question a dépendu, ils ne pourrait pas probablement arriver aux raisons modernes d'ajouter les deux genres de tonalité afin de faire le troisième principal. (Voir le BRUIT.) Ici nous devons des digress afin d'illustrer ce qui est impliqué par notre sens harmonique moderne; pour la différence que ce fait à notre See also:conscience musicale entière nullement est universellement réalisé. La musique, comme nous la comprenons maintenant, s'exprime en interaction de l'elementsrhythm trois, de la mélodie et de l'harmonie. Les deux premiers sont évidemment aussi antiques que la conscience humaine elle-même. Sans tiers un art musical de valeur et d'intelligibilité permanentes n'a pas été connu pour atteindre l'existence indépendante. Avec l'harmonie la musique assume l'existence d'un genre d'espace dans trois dimensions, rien lesquelles peut subsister sans impliquer au moins les autres. Quand nous entendons que unaccompanied la mélodie nous ne pouvons nous empêcher de l'interpréter à la lumière de ses harmonies plus probables. Par conséquent, le whenit n'implique pas à harmonies conformées qu'il semble à nous étranges ou étranges; parce que, à moins qu'il soit très éloigné de nos conceptions harmoniques, il implique au moins à n'importe quel moment donné une certaine harmonie simple que dans le moment suivant il contredit. Ainsi nos inférences quant à l'expression prévue par la musique qui n'a pas relevé de l'See also:influence européenne sont peu sûres, et le See also:plaisir que nous prenons dans une telle musique est capricieux. L'effort de penser loin nos préconceptions harmoniques est probablement le morceau le plus violent de gymnastique mentale dans toute l'expérience artistique, et fournit beaucoup d'excuse pour une attitude sceptique quant à la valeur artistique de la musique preharmonic, qui n'a jamais à tous les événements pour devenir même partiellement indépendante de la poésie et pour danser. Ainsi le See also:rythme de la musique grecque classique semble avoir été entièrement identique à celui du vers, et à sa beauté et expression appréciée dans la vertu de cette identité. Du point de vue musical moderne le rythme des mots est limité à une uniformité simplement monotone d'écoulement, avec les ondulations minutieuses qui sont musical chaotiques (voir le RYTHME). L'exemple de la tragédie grecque, avec les rapports de son musique d'tout-infiltration (dans beaucoup de See also:cas, comme dans cela d'See also:Aeschylus, composé par le dramatist lui-même) ne pourrait pas ne met pas le See also:feu aux imaginations des pionniers et des reformers modernes de l'opéra; et See also:Monteverde, See also:Gluck et See also:Wagner se sont convaincus et leurs contemporains que leur travail était, entre autres choses, une renaissance de la tragédie grecque. Mais tout ce qui est connu de la musique grecque prouve qu'elle ne représente aucune telle idée moderne, en ce qui concerne leur aspect vraiment musical. Il ne représente, plutôt, une organisation de l'élévation et de la chute de la voix, aucun doute aussi raffiné et artistique que l'organisation du vers, aucun doute puissant en intensifiant l'effet émotif et dramatique des mots et See also:action, mais nullement essentiel à l'understanding'See also:or l'organisation des travaux qu'elle a ornés. La préférence grecque classique pour la balance diatonic indique un sens harmonique latent et également ce See also:temperance qui est à la base du sens grec général de la beauté; mais, au delà du ce et des généralités semblables, toute la recherche dans le monde ne nous permettra pas de comprendre l'esprit du musicien grec. La musique non-harmonique est un monde de deux dimensions, et nous devons maintenant nous enquérir comment les hommes sont See also:venus pour se lever de ce "flatland" au monde plein du bruit en lequel See also:Palestrina, Bach, See also:Beethoven et Wagner de phase. 3. Origins.Although harmonique se mélanger simultané de différents bruits jamais a été sérieusement contemplé par les Grecs, pourtant dans des périodes See also:classiques ils étaient fanatiques du chant avec des voix élevées et basses dans les octaves. Ceci s'est appelé magadizing; du nom d'un See also:instrument sur lequel le See also:jeu dans les octaves a été rendu facile à l'aide d'un See also:pont qui a divisé les cordes à deux-tiers de leur longueur. Tandis que la See also:pratique était estimée pour la beauté de se mélanger de différentes voix, elle a été tolérée seulement en raison de l'effet See also:particulier de l'identité meublé par les différentes notes de l'octave, et aucun autre intervalle n'était ainsi utilisé par les Grecs. Dans l'article sur l'cHarmonie les degrés d'identité-dans-différence qui caractérisent les intervalles harmoniques plus simples sont analysés, et les étapes principales sont indiquées par lesquelles les See also:utilisations magadizing médiévales plus compliquées de la quatrième et cinquième (la See also:symphonie, le diaphonia ou l'organum de See also:Hucbald) ont mené (en partie par leur propre échange et en partie par des expériences dans l'introduction des ornements et de la variété) à la conception moderne de l'harmonie en tant que les voix ou pièces se composantes qui se déplacent indépendamment à l'exclusion d'un tel See also:mouvement parallèle. Dans l'histoire of.Music d'Oxford, vols. i. et ii., sera des exemples abondants trouvés de chaque of d'étape le processus, qui commence par l'organum ou diaphony qui a régné jusqu'à la mort de Guido d'See also:Arezzo (environ 1050) et des passages par le discant, ou musique mesurée, du 13ème siècle, l'où le rythme est d'abord organisé sur une base suffisamment solide pour permettre des voix à chanter a contrasté des rythmes simultanément, alors que le nouveau critère harmonique de l'indépendance des pièces de plus en plus déplace et montre son opposition au vieux critère du parallélisme. L'exemple le plus extraordinaire de ces principes contradictoires est le See also:rota célèbre "See also:Sumer est icumen dedans," un 13th-century See also:rond dans quatre parts sur une See also:terre-basse canonic dans deux. Récent recherche ont mis en évidence un See also:certain nombre de travaux sous les formes de See also:motet, conductus, le See also:rondel (ni le See also:rondo postérieur ni le rond, mais un genre de See also:counterpoint See also:triple), qui prouvent que "Sumer est icumen dans" ne contient aucun See also:dispositif technique unique; mais aucun travail dans un délai de deux siècles de sa date n'atteint un modèle tellement presque intelligible aux oreilles modernes. Sa See also:richesse et fermeté d'harmonie sont telle que l'utilisation fréquente des cinquièmes et des octaves consécutifs, dans l'accord strict avec les principes 13th-century, doit nos oreilles tout l'effet d'une série de gaffes grammaticales, tellement brusquement il diffère du counterpoint See also:doux du repos. Dans quelle lumière ce counterpoint doux a heurté des contemporains, ou comment son auteur (qui peuvent ou ne peuvent pas être l'auteur de la MME. de See also:lecture, de l'of Fornsete de See also: 4. La lutte d'or d'Age.The vers la réalisation de l'art musical mûr semble incroyablement lente quand nous ne réalisons pas sa difficulté, et merveilleusement See also:rapide dès que nous essayerons d'imaginer l'effort de former d'abord ces conceptions harmoniques qui sont la deuxième nature à nous. Même à l'See also:heure de Dunstable et de Dufay le développement de l'idée contrapuntal de l'indépendance des pièces n'a pas eu encore ainsi a transformé la conscience harmonique que les parallelisms antiques ou les quarts et les cinquièmes consécutifs qui étaient l'épine dorsale d'éloigné pourraient être vu dans leur lumière vraie comme contradictoires à la méthode contrapuntal. Par le début du 16ème siècle, cependant, les See also:lois du counterpoint étaient essentiellement fixes; la pratique avait lieu pendant un moment imparfait, et vise encore incertain, mais la compétence augmentait et est bientôt devenue merveilleuse; et dans la musique 16th-century nous laissons le monde archaïque tout à fait. Les See also:divers phénomènes d'See also:exposition dorénavant musicmay du crudeness, du decadence et de la transition, mais de ses transition-périodes dériveront toujours la lumière du passé, quoi que l'obscurité du See also:futur. Dans la meilleure musique du 16ème siècle nous n'avons aucun besoin de recherche ou de gymnastique mentale, au delà de ce qui est nécessaire dans tout l'art pour fixer la présentation et l'attention intelligentes. Ses matériaux nous montrent les "trois dimensions" de la musique dans leur état plus simple d'équilibre parfait. Le rythme, emancipated de la tyrannie du vers, est See also:libre pour coordonner et contraster une multitude de mélodies qui par l'indépendance même de leur produit d'écoulement une masse de l'harmonie qui passe de l'accord à l'accord par des variétés commandées de discorde transitoire. Le critère de la discorde n'est plus celui de la seule rudesse, mais est modifié par la conception de la simplicité ou de l'éloignement des étapes par lesquelles le See also:flux des mélodies simultanées indépendantes passe d'un accord, ou du point de repos, à l'autre. Quand la musique tire une apogée, ou sa conclusion See also:finale, le point de repos, naturellement, est considérablement souligné. C'est en conséquence les "cadences" ou se See also:ferme complètement de la musique 16th-century qui montrent la plus grande ressemblance aux idées harmoniques de aujourd'hui; et c'est également à ces points que certaines notes le plus fréquemment ont été augmentées afin de modifier les modes ecclésiastiques qui sont dérivés plus ou moins directement de la balance diatonic mélodique des Grecs, et misnamed, selon des idées fausses médiévales inévitables, après que le l grec de modes dans autre passe nos oreilles modernes, quand unaccustomed au modèle, estiment que l'harmonie est étrange et manquante dans la direction définie; et nous sommes susceptibles de former la conclusion précipitée que le mode est une survie archaïque. Une connaissance plus familière avec l'art prouve bientôt que son décalage et modulations See also:vagues n'en sont aucune seule survie d'une balance insatisfaisante pour mais des buts mélodiques, mais le résultat normal d'un état de choses dans lesquelles seulement deux espèces de See also:corde sont disponibles comme points de repos du tout. Si aucune See also:succession de telles cordes n'était donnée la prééminence, excepté ceux qui définissent la See also: D'ailleurs, il y a dans cette musique juste comme beaucoup et pas plus de l'antithèse et de l'See also:ordre formels que son harmonie suffira pour lier. Pour finir, nous trouverons, sur comparer les chefs d'oeuvre de la période aux travaux du See also:rang inférieur, que dans les chefs d'oeuvre les dispositifs modaux les plus archaïques sont expressifs, divers et See also:beaux; tandis que dans les travaux inférieurs ils sont souvent évités en faveur des idées modernes ordinaires, et, quand ils se produisent, soyez toujours accidentel et monotone, bien que dans la conformité stricte avec les règles du temps. À limitations conformées d'harmonie, de forme et de rythme ont la conséquence supplémentaire que la seule musique artistique possible dans eux est purement vocale. L'utilisation des instruments est peu plus qu'un mal nécessaire pour l'appui des voix en cas d'occasion insuffisante pour la pratique; et bien que les origines de la musique instrumentale soient déjà d'un certain intérêt artistique pour le 16ème siècle, nous devons les laisser hors de notre compte si notre See also:objet est de présent des idées artistiques mûres dans des proportions appropriées. Les principes des art-formes 16th-century sont discutés en plus détail dans l'article sur CONTRAPUNTAL FORMS. Ici nous traiterons les critères formels sur une base générale; particulièrement comme avec l'art selon de tels principes simples la distinction entre une art-forme et des autres est susceptible d'être trop See also:externe ou trop subtile pour la stabilité. Avec la musique il y a une probabilité plus forte que dans n'importe quel autre art que les dispositifs simplement mécaniques seront évidents en soi, et ils peuvent devenir ainsi dangereux ou efficaces. Avec les maîtres des Hollandes ils sont rapidement devenus tous deux. Deux groupes adjacents d'illustrations dans 1 de See also:Burney la nature technique du sujet nous interdit de discuter l'origine et les caractéristiques du grand Ambrosian et des collections grégoriennes de musique mélodique d'église sur des lesquelles presque tous les médiéval et 16th-century polyphony ont été basés, et de ce que les modes ecclésiastiques ont été dérivés. Professeur Wooldridge dans l'histoire d'Oxford de la musique, I. ò-44, a montré la continuité de cette musique chrétienne tôt avec la musique Graeco-Romaine, et l'origine de ses modes dans la modification de Ptolemaic (c. A. D. 1ö) de la balance diatonic grecque; tandis qu'une défense récente de la tradition ecclésiastique d'une révision par volonté de See also:St See also:Gregory qu'il a trouvée dans l'article sur "la musique grégorienne" dans le dictionnaire de la plantation (nouvel ED), ii. 235. L'histoire de la musique montrera d'une part la manière étonnante dont les premiers compositeurs polyphonic ont appris "à danser dans les fetters," et, d'autre part, la puissance expressive qu'ils ont atteints par cette discipline. Burney cite du 15th-century See also:venerable Okeghem principal, ou d'Okenheim, quelques Canons ainsi conçu quant à soyez singable en tous les modes. Ils sont nullement des cas extrêmes de l'ingéniosité qu'Okenheim et ses pupilles ont souvent utilisée; mais bien qu'ils ne soient pas de grande valeur artistiquement (et ne sont pas égaux correctement déchiffrés par Burney) 'ils montrent que les principes mécaniques peuvent être une aide plutôt qu'un See also:obstacle à l'accomplissement d'un modèle doux et en plastique. Burney les suit le plus convenablement avec Deploration de Jehan Okenheim merveilleux de DES Pres de Josquin, dans lequel la See also:teneur chante la See also:plaine chantent du See also:Requiem par degré au-dessous de son lancement approprié, alors que les autres voix chantent un See also:dirge See also:pastoral en français. Le dispositif de transposer la plaine chantent une note plus bas, et en faisant la teneur See also:chantez-la du fait la position dans tout le morceau entier, est évidemment aussi mécanique que n'importe quelle forme d'See also:acrostic: mais on le calcule heureusement pour impressionner nos oreilles, quoique, à la différence des contemporains de Josquin, la plupart d'entre nous ne soit pas familière avec la plaine chante en sa position normale; parce qu'il change la position de tous les semitones et donne au chant un caractère See also:mineur plaintive qui n'est aucun moins impressionnant en soi que comme contraste à l'orthodoxe formez. Et la superstructure harmonique est aussi très bien un exemple des possibilités expressives des modes d'église à leur apogée de la tonalité moderne que pourrait être trouvé n'importe où. Un exemple plus See also:noble encore, que nous pouvons peut-être acclamer pendant que les plus tôt subliment vraiment le chef d'oeuvre dans la musique, est See also:Miserere de Josquin, qui est accessible dans une édition moderne. Dans ce travail monumental un des pièces de teneur s'appelle Vagans, parce qu'il chante le mei See also:Deus de Miserere de See also:fardeau à intervalles réguliers, dans une figure pleurante presque monotone, errant par chaque degré successif de la balance dans toute la See also:composition. L'effet, facilité car il est par puissance rhétorique consommée dans chaque détail de la masse environnante de l'harmonie et du counterpoint, est extrêmement expressif; et le dispositif se prête à chaque nuance de se sentir dans les travaux du plus grand de tous les maîtres de Netherland, Orlando See also:di See also:Lasso. Palestrina est fanatique de lui. Comme tous les dispositifs formels plus évidents il est serré hors de son art See also:romain par le subtlety exquis de son sens de la proportion, et exalted le spirituality de son modèle qui, alors qu'il lui permet de placer les lettres de l'alphabet hébreu dans le See also:Lamentations de See also:Jeremiah dans le plus ou moins le même esprit que qui dans ce qu'elles seraient traitées dans une See also:bible lumineuse, l'interdit de stimuler un sens de forme qui pourrait distraire l'esprit du sens du mystère et intimider approprié aux objets de la contemplation dévotte. Pourtant dans un de ses plus grands motets, le nescirem de See also:silicium de Tribularer, le fardeau de Miserere de Josquin apparaît avec le mêmes traitement et See also:but que dans son prototype. Mais avec les peu de maîtres de Flamand, et parfois avec le plus grand, de tels principes mécaniques sont souvent devenus non seulement inexpressifs mais absolument destructifs à l'effet musical. L'ingéniosité nécessaire pour faire le matériel têtu du plastique de musique n'était pas aussi facilement possible comme ingéniosité nécessaire pour transformer la musique en jeu mathématique; et quand Palestrina était dans sa See also:perfection les compositeurs inférieurs ainsi a dépassé les maîtres en nombre à qui la musique était une langue dévotte, et ainsi a dégradé l'art, non seulement par expression musicale véritable évinçante mais en refilant des airs et des mots séculaires dans les offices, qu'un des questions mineures par lesquelles le See also:Conseil de See also:Trent a été concerné était si la musique polyphonic d'église devrait être totalement supprimée avec d'autres abus, ou si elle était capable de la réforme. L'histoire légendaire relie que Palestrina a soumis pour les masses du See also:jugement trois desquelles les papae Marcelli de Missa se sont avérés être ainsi subliment qu'on l'a dorénavant accepté comme musique idéale d'église (voir le PALESTRINA). Il est difficile réconcilier ce See also:conte avec la chronologie des travaux de Palestrina, mais il n'y a aucun doute que Palestrina a été officiellement identifié par l'église comme See also:rempart contre le mauvais goût. Mais nous ne devons pas permettre à ceci de nous tromper quant à la valeur de la musique d'église avant que 'la version correcte soit trouvée dans l'histoire d'Oxford de la musique, See also: (Voir le See also:MADRIGAL.) 5. La révolution de Monodic et son Results.Like tous les âges d'or, celui de la musique ont disparu à l'apparition d'une connaissance au delà de ses limitations. La première et la plus simple réalisation de l'art mûr est répandue et nourrit une véritable armée de grands hommes; ses chefs d'oeuvre sont innombrables, et son organisation est si complète qu'aucune étroitesse ou spécialisation ne puisse être sentie en forme de ses limitations. Pourtant ce sont excessivement étroits, et la tentative la plus modeste de les élargir peut avoir des résultats désastreux. Beaucoup d'expériences ont été essayées avant la mort de Palestrina et tout au See also:long du siècle, notamment par le See also:Gabrieli plus ancien et plus jeune. Peut-être Palestrina lui-même est le seul grand compositeur du temps qui ne viole jamais les principes de son art. Orlando di Lasso, à la différence de Palestrina, a écrit presque autant séculaire que la musique sacrée, et dans sa jeunesse s'est livré à beaucoup d'excentricités dans un modèle chromatique qu'il a après appris à détester. Mais si les expériences doivent révolutionner l'art il est nécessaire que leur nouveauté appliquera déjà un certain principe artistique de concordance. Aucun un tel principe ne se servira pour relier le mode de Phrygian à une corde contenant A #; et, toutefois fier Orlando jeune di Lasso ne peut être à être le premier à écrire ni à ses expériences chromatiques tôt ni ces de Cipriano di Rore, qu'il a admiré tellement, à gauche une See also:marque sur l'histoire musicale. Ils ont lancé un appel rien plus profond qu'un désir pour la variété de sensational d'harmonie; et, alors qu'ils portaient les successions des cordes loin au delà des limites des modes, ils n'ont introduit aucun nouvel élément dans les cordes eux-mêmes. Par le début du 17ème siècle les véritables principes révolutionnaires étaient vigoureusement au travail, et le génie puissant de Monteverde l'a rapidement rendu impossible pour les hommes du See also:trempe artistique impressionnable pour continuer à travailler dans le vieux modèle quand de telles vastes See also:nouvelles régions de See also:configuration de pensée s'ouvrent à eux. Par année de la mort de Palestrina, 1594, Monteverde a édité, en son troisième See also:livre des madrigals, les travaux dans lesquels sans aller irrévocablement au delà de la See also:lettre de la See also:loi 16th-century il a montré bien plus d'ardeur pour l'expression émotive que le sens d'euphony. 
En 1599 il a édité les madrigals dans lesquels ses moyens d'expression impliquent des principes harmoniques tout à fait incompatibles des idées 16th-century. Mais il a bientôt cessé de placer la See also:confiance dans le madrigal comme à art-forme proportionnée pour ses nouveaux idéaux d'expression, et il a trouvé un See also: Et les compositions les plus belles au début du 17ème siècle sont plutôt ceux qui montrent le decadence de l'art 16th-century que ceux dans lesquels les nouveaux principes le plus uniformément ont été adoptés. Ainsi les madrigals de Monteverde, bien que souvent mat et toujours rugueux, contiennent plus de musique que ses opéras. D'autre part, presque jusqu'à ce que le milieu des grands hommes du 17ème siècle n'aient pas voulu qui continuait toujours le modèle polyphonic pur. Leur See also:asceticism dénote un esprit moins complet que celui des grands artistes pour qui l'âge d'or était un environnement normal; mais dans les régions du monde où les nouvelles influences encore n'ont pas régné même ce n'est pas le cas, et un compositeur comme Orlando See also:Gibbons, qui est mort en 1625, va bien See also:digne pour être rangé avec les grands maîtres italiens et flamands du siècle précédent. Mais la tâche principale des compositeurs du 17ème siècle étendu ailleurs; et si le résultat de leur attention régulière à lui était insignifiant en comparaison des gloires du passé, il a au moins mené aux gloires du monde plus grand organisé par Bach et See also:Handel. Les monodists tôt, Monteverde et ses See also:camarades, attention dirigée au bon quart en essayant d'exprimer l'émotion au See also:moyen de voix simples soutenues par des instruments; mais le declamation informe de leurs écritures dramatiques a bientôt prouvé trop monotone pour l'intérêt permanent, et une telle méthode qu'il a montrée est devenue permanente seulement en étant codifié dans les formules de recitative, qui est, pour la plupart, des idéalisations très heureuses de discours-cadence, et ce qui survivent en conséquence en tant qu'éléments dramatiques dans la musique à aujourd'hui, bien que, comme toutes les figures rhétoriques, elles aient souvent perdu la signification de l'utilisation négligente.' Elle était toute très bien pour révolutionner des conceptions courantes d'harmonie, de sorte que des cordes n'aient été plus considérées, comme en See also:jours de polyphony pur, pour être le résultat de tant de mélodies indépendantes. Mais dans l'art, comme ailleurs, la See also:nouvelle pensée se montre par la See also:suite comme addition à, pas un produit de remplacement pour, la sagesse des âges. D'ailleurs, c'est une See also:erreur, bien qu'on ait approuvé par de Hautes Autorités, pour supposer que les compositeurs 16th-century n'ont pas apprécié la beauté des successions des cordes indépendamment de la conception polyphonic. Au contraire, Palestrina et Orlando di Lasso eux-mêmes sont les plus grands maîtres que le monde a jamais vus d'un modèle qui dépend complètement de la beauté des masses de l'harmonie, entièrement exemptes de détail polyphonic, et lié par un rythme délicatement équilibré dans lequel la symétrie évidente est aussi soigneusement évitée qu'elle est dans les successions des cordes elles-mêmes. Néanmoins, le monody du 17ème siècle est radicalement différent en principe, non seulement parce qu'on emploie des cordes qui étaient un See also:outrage sur la 16ème _ "invention" de recitative sont fréquemment attribuées au ce ou monodist de tnat, avec en tant que peu de pièce pour le conflit comme quand nous attribuons l'invention des vêtements à Adam et Eve. See also: En d'autres termes, les énergies en chef des successeurs des monodists ont été consacrées à l'établissement du clef-système moderne; un système en comparaison dont la variété subtile d'accord modal a semblé vague et mal balancée, jusqu'à ce qu'on ait tellement sans See also:risque établi le nouveau clef-système lui-même que Bach et Beethoven pourraient une fois de plus apprécier et employer essentiellement des successions modales des cordes dans leur signification vraie. La deuxième avance du mouvement monodic était dans la culture de la voix soloe. Ceci développé ainsi que la culture du See also:violon, le plus capable et expressif des instruments le soutenait. Monteverde a déjà su faire des expériences intéressantes avec des violons, tels que les diriger jouer le See also:pizzicato, et accompagner une description passionnante d'un See also:duel par les courses rapidement répétées sur une corde importante, suivie des harmonies soutenues de mort dans le mineur. Par le milieu du violon de siècle la musique est See also:assez See also:commune, et la distinction entre l'See also:appareil-photo de chiesa de da de See also:Sonata et de da de Sonata apparaît (voir le SONATA). Mais la culture de la technique instrumentale a eu également un grand effet sur celui de la voix; et la technique vocale italienne s'est bientôt développée en monstrosity que goût musical ainsi corrompu en tant que non seulement pour aveugler les contemporains de Bach et de Handel au greatness de leur art See also:choral, mais, dans le cas de Handel, pour inonder réellement beaucoup son meilleur travail. L'équilibre entre une voix soloe et un groupe d'instruments, cependant, a été avec succès cultivé ainsi que le clef-système moderne et la forme mélodique; avec le résultat que l'See also:aria classique, une art-forme fortement efficace, a pris à forme. Ceci, alors qu'il détruisait totalement le caractère dramatique de l'opéra pendant les See also:cent années à venir, pourtant a fait le bon service dans la fourniture les moyens raisonnablement efficaces de l'expression musicale qui pourraient encourager des compositeurs et des auditeurs à continuer de cultiver l'art jusqu'à ce que le See also:jour de See also:petites choses ait été au delà. L'aria operatic, comme mûri par Alessandro See also:Scarlatti, est à son plus mauvais une occasion fine pour qu'un chanteur magnifiquement habillé montre des exploits de la gymnastique vocale, sur une See also:plateforme de See also:concert, ou dans le paysage digne du See also:pantomime de See also:ruelle de See also:Drury. À son meilleur il est de beaux moyens d'expression pour le fervour dévot de Bach et de Handel. À tout moment il paralyse l'action dramatique, et plus de vengeance ironique n'a jamais rattrapé des reformers iconoclastes que le développement See also:historique par lequel le declamation purement dramatique des monodists s'est installé dans une série d'environ See also:trente affichages successifs de vocalization, a conçu sur des conventions rigidement musicales, et produit dans des conditions spectaculaires par des sopranos artificiels en tant que plus haut idéal du musique-drame. Les principales nouvelles art-formes du 17ème siècle sont alors, premièrement, l'aria (pas l'opéra, qui était simplement un état spectaculaire dans lequel les gens ont consenti pour écouter environ trente arias en succession); et, deuxièmement, les formes instrumentales polyphonic, dont ceux de l'appareil-photo de da de suite ou de sonata ont été principalement dérivés de la nécessité pour la musique de See also:ballet dans l'opéra (et par conséquent considérablement stimulés par le goût de la See also: En attendant grand bien que l'activité subalterne ait été également montrée dans l'évolution d'une nouvelle personne à charge chorale de musique sur un accompagnement instrumental d'une fonction plus complexe que cela du seul appui. Ce, dans les mains des maîtres napolitains, était destiné pour mener directement à la musique chorale tôt de See also:Mozart et See also:Haydn, tous les deux de qui, particulièrement Mozart, a plus tard appris ses plus grandes possibilités de l'étude de Handel. Mais l'art choral le plus saisissant du temps est venu des Allemands, qui n'ont jamais montré ce consentement thoughtless dans les moyens les plus faciles de l'effet ce qui était déjà le fléau de l'art See also:italien. En conséquence, alors que le See also:rendement See also:allemand du 17ème siècle ne montre pas cet accomplissement rapide de maturité modeste ce qui donne à beaucoup de musique italienne de la période une See also:constante si légère valeur artistique, il y a, malgré beaucoup de rudesse, un See also:jet d'effort polyphonic noble dans l'See also:organe et la musique chorale en Allemagne dès H..Schiitz (qui a été soutenu en 1585 et qui était un grands ami et admirateur de Monteverde) à celui de Bach et de Handel juste un siècle plus tard. Ni était l'Allemagne inactive dans la See also:ligne dramatique, et les efforts 17th-century italiens l'opéra comique, qui sont ainsi en intéressant et tellement unjustly négligé par des historiens, ont trouvé un parallèle, avant que la maturité de Handel, dans le travail de R. Keiser, et peuvent être tracés par lui dans le premier opéra de Handel, Almira. La meilleure See also:preuve de l'insuffisance des ressources 17th-century doit être trouvée dans se mélanger presque tragique du génie et de l'échec montrés par notre musique anglaise d'église de la restauration. Les travaux de See also:Pelham Humfrey et coup montrent déjà aux qualités ce qui avec See also:Purcell semblent à presque n'importe quel moment donné à la quantité à ceux du génie le plus élevé, alors qu'à peine un travail simple a n'importe quelle concordance dans l'ensemble. Le patchiness de la musique de Purcell était, aucun doute, accru par l'influence du goût français puis prédominante à la cour. Quand Pelham Humfrey était seize, le See also: 6. Bach et Handel.It n'étaient pas jusqu'à ce que le 18ème siècle avait commencé que deux hommes du génie le plus élevé pourraient trouver dans la musique une digne expression de leur prise de la vie. Bach et Handel ont été soutenus chez un mois de l'un l'autre, en 1685, et dans la même région de la See also:Saxe. Tous les deux ont hérité de la tradition de l'effort polyphonic que les organists allemands et les auteurs choraux avaient solidement maintenue tout au long du 17ème siècle; et tous les deux ont profité par les méthodes italiennes qui pénétraient l'Allemagne. Dans le cas de Bach c'était les art-formes italiennes qui ont fait appel à son sens de conception. Leur modèle ne l'a pas affecté, mais il a vu chaque possibilité que les formes ont contenue, et les a étudiées plus assidûment parce qu'elles n'étaient pas, comme la texture polyphonic, son birthright. Dans recitative ses propres modèle distinctif allemand ont atteint une intensité et une liberté d'expression qui est un des choses les plus mobiles dans l'art. Néanmoins, s'il manipulait recitative de sa propre manière elle n'était pas pour veulent de la connaissance avec les formules italiennes, ni même parce qu'il les a dédaignées; pour dans ses seulement deux travaux existants d'Italien les See also:chutes de recitative sont conformes strictement à la convention italienne, et les arias montrent (quand nous tenons compte de leur similarité de famille avec le modèle de Bach'snormal) modeler le plus soigneux sur les formes italiennes. Encore, de même que bien connu, Bach disposé avec les See also:additions et les changements copieux beaucoup de concertos par Vivaldi (ainsi qu'une partie qui en passant cependant sous le nom de Vivaldi soyez vraiment par des contemporains d'German); et, tout en de ce fait saisissant chaque occasion d'assimiler des influences d'Italien dans instrumental aussi bien que dans la musique vocale, il n'était aucun moins vivant à l'importance des formes françaises de ouverture et de suite. D'ailleurs, il fait attention très clair quant derrière à où ses idées viennent, et extrêmement à maintenir chaque art-forme dans son intégrité. Pourtant son modèle See also:demeure son propre partout, et la première impression de sa ressemblance à cela de ses contemporains allemands diminue plus la période est étudié. L'art de Bach forme ainsi un le plus parfaitement du systématique et les disques complets que un travail de vie a jamais réalisés. Ses art-formes pourraient être arrangées dans une sorte d'arrangement biologique, et leur interaction et See also:genealogy a une clarté qui pourrait presque être un objet d'envie aux hommes de la science même si Bach n'avait pas démontré chaque détail de lui par ces See also:re-écritures merveilleuses de ses propres travaux que nous avons décrits ailleurs (voir le BAcx). Les méthodes de Handel étaient aussi différentes de Bach que ses circonstances. Il a bientôt quitté l'Allemagne et, alors qu'il ne trahissait jamais son birthright en tant que grand auteur choral, il rapidement a absorbé le modèle italien tellement complètement quant à devenu pratiquement un Italien. Il a également adopté les formes italiennes, mais pas, comme Bach, de n'importe quel sens profond de leur endroit possible dans le système artistique. À lui elles étaient efficaces, et c'était tout. Il ne s'est pas préoccupé au sujet de l'idée permanente qui pourrait être à la base d'une art-forme et caractériser son expression. Il n'a aucune notion d'une forme en tant que n'importe quoi plus haut que des moyens approximatifs de tenir la musique ensemble et de maintenir son écoulement; mais lui et Bach, seul parmi leurs contemporains, ont un sens unfailing de tout ce qui est nécessaire pour fixer cette extrémité. Ils ont fonctionné des points opposés de vue: Bach développe son art d'en dedans, jusqu'à son détail, comme cela des derniers travaux de Beethoven, devient brillant avec la See also:gloire de la conception de totalité; Handel à son meilleur est inspiré par un arrangement magnifique, dans dont l'exécution il a besoin de condescend à la finition du détail seulement à condition que son See also:inspiration n'accélère pas à la prochaine conception. Néanmoins il est à l'immense champ et largeur du modèle choral de Handel, et à son force émotive, que tous les compositeurs suivants doivent à leur premier accès aux ressources plus grandes et moins mécaniques de la musique. (Voir le HANDEL.) 7. Le Classes.After symphonique la mort de Bach et de Handel un autre changement de vue, comme la révolution de Copernican de that pour laquelle See also:Kant sighed en See also:philosophie, était nécessaire pour le développement ultérieur de la musique. Il a consisté de nouveau en inversion de la relation entre la forme et la texture. Mais, tandis qu'au début du 17ème siècle la révolution a consisté principalement en dirigeant l'attention aux cordes comme, ainsi pour parler, morceaux harmoniques, au lieu des moments dans un flux des mélodies simultanées; dans la moitié postérieure du 18ème siècle la révolution est concernée les contours musicaux plus grands, et n'a pas été compliquée par la découverte de nouvelles ressources harmoniques. Au contraire, elle a mené à une simplicité extrême d'harmonie. L'art de Bach et de Handel avait donné la vitalité parfaite aux formes développées au 18ème siècle, mais principalement au moyen du reinfusion de la vie polyphonic. Les aspects formels (c'est-à-dire, telles qui décrètent les formes de l'aria et du suite-mouvement et de l'équilibre et des contrastes de tels choruses comme ne sont pas des fugues) sont, après tout, d'importance secondaire; le vrai centre de l'activité technique et intellectuelle de Bach et de Handel est le polyphony; et plus la forme externe occupe le premier See also:plan que plus le travail assume le caractère de la musique légère. Dans l'article SONATA FORMS nous montrons comment cet état de choses a été changé, et l'attention est là appelée sur la puissance dramatique d'une musique dans laquelle la forme est techniquement avant la texture. Et il n'est pas difficile de comprendre que la réforme de Gluck de l'opéra aurait été une impossibilité fine s'il n'avait pas traité la musique dans le modèle de sonata, qui est capable de changer son caractère car il dévoile ses conceptions. La nouvelle période de la transition n'était ni si longue ni ainsi intéressante en tant que celle du 17ème siècle. Le contraste entre la MUSIQUE 9 commencements de squalid de I du nouvel art et des gloires de Bach et de Handel est presque aussi grand que celui entre les monodists et le Palestrina, mais il fait loin moins appel à nos sympathies, parce qu'il semble comme un contraste entre le sincerity noble et l'élégance à vide. Le nouvel art semble si facile à vivre et vide qu'il See also:cache à nous la nécessité de l'perspicacité historique sympathique pour laquelle les expériences douloureuses des monodists semblent presque pleurer à haute voix. Et ses expériences rhétoriques plus "bold", telles que les fantasias de Philipp Emanuel Bach, montrent une sécurité d'harmonie ce qui, ainsi que l'éclat même de leur réalisation des idées modernes, doit apparaître à un auditeur moderne davantage comme la rhétorique See also:creuse d'un décadent que l'inspiration prophétique d'un See also:pionnier. Et, juste comme au 17ème siècle, ainsi dans le temps avant Haydn et Mozart, le travail qui est le plus valable artistiquement tend à être ce qui est de moins d'importance historiquement. La culture de la forme de la musique aux dépens de sa texture était destinée pour mener à de plus grandes choses que l'art polyphonic avait jamais rêvé de; mais aucun art vivant ne pourrait être réalisé jusqu'à ce que la texture ait été introduite une fois de plus dans essentiel, si le subalterne, relation à la forme. Ainsi, bien plus intéressants artistiquement que les travaux plus tôt defabrication de See also:pianoforte de Philipp Emanuel Bach sont ses oratorios historiquement moins fructueux, et ses symphonies, et les modifications polyphonic See also:riches des nouveaux principes dans les meilleurs travaux de son frère plus âgé Friedemann. Pourtant la transition-période est à peine en second lieu dans l'importance historique pour celle du 17ème siècle; et nous pouvons recueillir d'elle des conseils bien plus directs quant à la signification des tendances de notre propre jour. Comme au 17ème siècle, ainsi dans le 18ème les compositeurs et les critiques de la jeunesse de Haydn, ne sachant pas quoi faire des nouvelles tendances, et conscient plutôt de la différence entre de nouvelles et vieilles idées que de la nature vraie de l'un ou l'autre, ont pris le See also:refuge dans les spéculations au sujet de l'expression émotive et externe de la musique; et quand l'échouer artistique de puissance et d'équilibre il est très commode pour aller en dehors des limites de l'art et pour expliquer l'échec loin par des idées externes. Heureusement les idées externes étaient capables de la fonction organique sérieuse par l'intermédiaire de l'opéra, et du fait la musique d'art-forme passait hors des mains des Italiens et assumait la vie artistique et dramatique sous Gluck. La spéculation metaphysical et littéraire qui a accablé la critique musicale actuellement, et qui a produit les See also:guerres de See also:papier et les partie-inimitiés musicales de ce See also:type entre le Gluckists et le Piccinists, à tous les événements a eu cet See also:avantage par rapport au Wagnerian et des polémiques See also:anti-Wagnerian de la dernière génération et des conflits au sujet de la fonction légitime de la musique instrumentale au daythat actuel c'était spéculation appliquée exclusivement à une art-forme dans laquelle des questions littéraires ont été directement concernées, une art-forme ce qui a d'ailleurs eu jusqu'à ce temps été la See also:tombe de tous les compositeurs de musique a choisi de mettre dans lui. Mais dès que la musique une fois de plus atteinte à à principes conformés toutes ces discussions est devenue mais une mémoire. Si la musique de Gluck n'avait pas été plus musicale aussi bien que plus dramatique que Piccini, toute son See also:annonce des principes de Wagnerian ne se serait servie de lui pas plus qu'elle s'est servie de Monteverde. Quand le nouvel art a trouvé l'expression symphonique dans Haydn et Mozart, ce n'est devenu musique pure et simple, mais a eu plus de difficulté que la peinture ou la poésie en faisant face aux idées externes, quand ceux-ci ont été naturellement introduits dans elle par la voix humaine ou les conditions de l'action dramatique. C'une fois de plus était devenu un art qui ont besoin de rejet ou n'acceptent rien pour les raisons artificielles ou étrangères. Beethoven a bientôt montré comment See also:colossal la balance et la gamme du modèle de sonata pourraient être, et comment énorme était son effet sur les possibilités de musique vocale, dramatique et chorale. Aucune révolution n'était nécessaire pour accomplir ceci. Le modèle a été parfaitement formé, et pour le premier et jusqu'ici la seule fois dans l'histoire musicale un art mûr de petite gamme s'est ouvert dehors dans également parfaite de gamme colossale, sans moment de decadence ou de destruction. La gloire en chef de l'art qui aboutit à Beethoven est, naturellement, la musique instrumentale, qui relève de la tête des sonata-formes (q.v.). - en attendant Mozart a soulevé l'opéra comique, Italien et Allemand, à une See also:taille de qui a jamais depuis été - l'approachedwithin les limites classiques, et de ce qui les opéras de See also:Rossini et de ses successeurs montrent un decadence si déplorable que si "la musique classique" signifie "l'art élevé" nous doit indiquer que le buffo classique d'opéra commence et finit dans Mozart. Mais Gluck, trouvant ses idées dramatiques encouragées par les susceptibilités théâtrales éminentes du Français, avait déjà donné à opéra français un stimulus vers l'expression de l'émotion tragique qui a rendu les classiques du See also: Ses opéras, comme son musique d'église, expliquent l'évaluation émouvante de Beethoven de lui en tant que plus grand compositeur du temps. Dans eux ses mélodies, ailleurs curieusement See also:froid et prosaic, rougeoient avec la chaleur d'un classique vrai; et son tact en développant, en accélérant et en suspendant une apogée dramatique est en second lieu seulement à Mozart. À peine inférieur à Cherubini dans la maîtrise et la dignité, bien lovable dans le temperament, et affaibli seulement par l'inégalité de l'invention, maul mérite un endroit bien plus élevé dans l'histoire musicale que lui est généralement accordé. Son travail plus célèbre, See also:Joseph, est d'importance plus historique que ses autres, mais il est nullement son meilleur d'un point de vue purement musical, bien que son See also:Mehul poussé soumis biblique pour faire des expériences extrêmement réussies dans "la couleur locale" qui a eu l'influence probablement considérable sur Weber, dont l'admiration du travail était illimitée. Une chose est certaine, cela que l'opéra romantique de Weber doit beaucoup de son inspiration au comique d'opéra de ces maîtres.' 8. De Beethoven à Wagner.After Beethoven vient ce qui généralement cependant est vaguement décrit comme mouvement "romantique". Dans ses bases il s'élève à peu davantage que ceci, ce des musiciens trouvés nouveaux et des titres plus fiers pour une See also:division très antique et universelle des parties. L'une partie a installé un arrangement commode de forme basé sur le procédé moyen de tous les auteurs des sonatas excepté Haydn et Beethoven, qui les complote a choisi d'appeler classique; tandis que l'autre partie se consacrait à la recherche de nouveaux matériaux et de nouveaux moyens d'expression. Les classicists, si ainsi ils peuvent s'appeler, n'ont pas tout à fait approuvé Beethoven; et tandis qu'il y a beaucoup de See also:justification pour la See also:charge qui a été apportée contre eux de ramener la sonata-forme à un genre de jeu, ils n'ont pour cette très raison aucune vraie réclamation d'être considéré des héritiers des traditions classiques. La véritable méthode classique est celle dans laquelle la matière et la forme sont ainsi See also:uni qu'il est impossible de dire ce qui est avant l'autre. Les pseudo-classiques sont les artistes qui installent une forme commodément comme la forme classique moyenne, et la remplissent de quelque chose commodément comme la matière classique moyenne, avec juste une telle différence comme semblera comme une avance dans le brillant et la gamme. Les romanticists sont les artistes qui réalisent une telle différence entre leur matière et celle de l'art précédent comme poussent elles pour trouver de nouvelles formes pour elle, •or à tous les événements pour changer les vieilles formes considérablement. Mais s'ils sont réussis la différence entre leur travail et cela des classiques vrais devient simplement externe; ils sont des classiques dans une nouvelle art-forme. L'as, cependant, ceci est aussi rare que le véritable art classique est au meilleur des périodes, romanticism - tend à signifier peu plus que la différence entre un artiste instable qui ne peut pas maîtriser son matériel et un artiste qui peut, si sur le pseudo-classique ou le véritable See also:avion classique. Le terme "opéra romantique" nous a aidés à considérer Weber comme un romanticist dans cette sphère, mais quand nous appelons ses travaux instrumentaux "romantiques" la See also:limite cesse d'avoir la signification vraiment valable. Pour des morceaux aimez le Concertstuck, la danse de La de l'invitation d, et d'autres morceaux dont le sujet externe est connu des lettres de Weber ou des titres des morceaux eux-mêmes, la limite signifie que simplement la "See also:programme-musique" comme nous ont vu pour être caractéristique de n'importe quelle étape dans laquelle l'art est imparfaitement maîtrisé. La programme-musique de Weber ne montre aucune avance sur Beethoven dans les ressources d'illustration de l'art; et l'application du terme 1 "romantique" nous devons nous rappeler à cet égard que le comique d'opéra de limite signifie simplement l'opéra avec le See also:dialogue parlé, et n'a rien à faire avec le comique, idée. à son intéresser et dans beaucoup de beaux sonatas de pianoforte d'endroits n'a aucune terre définie excepté le brillant de sa technique de piano-forte et de l'See also:abandon dans les sujets de la conception (et même de temps en temps de l'harmonie) ces des commandes il aux manifestations violentes et operatic. See also:Schubert prête également une certaine couleur à l'opposition entre romantique et classique par sa faiblesse dans de grandes conceptions instrumentales, mais son sens de forme était trop essentiel pour que sa formation défectueuse déforme son esprit du véritable esprit classique; et les nouveaux éléments qu'il a présentés dans la musique instrumentale, cependant non ratifiée par concentration et l'unité de la conception, étaient presque toujours les fruits de l'inspiration vraie et des luttes jamais seules à échapper d'une difficulté. Son talent pour la musique purement instrumentale était incomparablement plus haut que Weber, alors que cela pour le étape-drame, comme montré dans le plus ambitieux de ses nombreux opéras, Fierrabras, était presque zéro. Mais il est le premier et peut-être plus grand auteur de chanson classique. C'était le travail de Beethoven sur une plus grande échelle qui a ainsi augmenté les possibilités de manipuler des ordres harmoniques à distance et les riches instrumentaux et les effets rhythmiques quant à préparent pour Schubert un monde en lequel musique, aucune moins que littérature, était plein des suggestions pour cela expression concentrée d'une émotion simple qui distingue le véritable art lyrique. Et, celui qui les défauts du traitement de Schubert de plus grandes formes, sa construction des petites formes qui peuvent être faites le See also:tour par une seule mélodie ou groupe de mélodies soit unsurpassable et soit vraiment classique dans l'esprit et le résultat. See also:Schumann n'a eu ni le talent indigène de Schubert pour une plus grande forme ni l'esprit irresponsable qui ont permis à Schubert de le manipuler uncritically. Ni l'a eu la légèreté étonnante du See also:contact et de l'équilibre parfait du modèle avec lequel See also:Chopin a commandé la plupart d'See also:imagination de wayward qui a jamais trouvé l'expression dans le lyrique de pianoforte. Mais il a eu un sens profond de beauté mélodique, une maîtrise d'expression polyphonic qui pour l'all sa tendance peu orthodoxe était en second lieu seulement à celle des plus grands classiques, et une See also:fantaisie epigrammatic qui lui a permise de concevoir les formes fortement artistiques de musique jamais depuis imité avec le succès cependant n'a souvent unintelligently copié. En ses chansons et lyrique de pianoforte ses idées romantiques ont trouvé l'expression parfaitement mûre. Durant toute sa vie il a été inspiré par un reverence profond qui, alors qu'il l'empêchait d'essayer aux formes classiques de poignée avec une technique qu'il a sentie pour être insatisfaisante, l'a en même temps poussé pendant qu'il vieillissait pour concevoir des formes sur une grande échelle leur ressemblant extérieurement. La poésie lyrique See also:allemande, qu'il a tellement parfaitement placée en musique, l'a renforcé dans sa tendance de présenter ses matériaux d'une façon epigrammatic et antithétique; et, quand il a pris à l'écriture orchestral et à la musique de See also: Il a partagé avec Mendelssohn le malentendu inévitable de ces contemporains qui ont groupé toute la musique au-dessous de une ou autre des deux têtes, classique et romantique. Il y a bonne raison de croire que Mendelssohn est mort avant qu'il plus qu'ait été commencé pour montrer sa puissance, bien que ceci puisse être nié par les critiques qui n'ont pas pensé à comparer la carrière de Handel jusqu'à l'âge auquel Mendelssohn cessé. Et sa maîtrise, se reposant, comme Handel, sur l'expérience d'un boyhoodcomparable seulement à Mozart, était trop facile lointain de l'inciter en tant que critique à réconcilier l'idée du talent élevé avec affliger l'échec intellectuel et technique. Cette même maîtrise a également tendu à critiquer son propre travail, comme interprète et compositeur, dans l'évaluation de ceux dont l'expérience les a encouragées à espérer que l'imperfection et l'au-dessus-excitation étaient les signes infaillibles du génie. Et car son dextérité a coopéré réellement avec les tendances des temps de braquer beaucoup de son travail dans les canaux pseudo-classiques, alors que néanmoins son indépendance de forme et de modèle le gardait à tout moment à un niveau plus élevé d'intérêt et de variété que tout le seul pseudo-classique, il ne doit pas être demandé que sa réputation soit devenue un objet formidable de See also:jalousie à ces apostles des nouvelles idées qui ont estimé que leurs propres travaux n'étaient pas susceptibles de faire la manière contre l'opposition See also:scolaire à moins qu'ils aient appelé le journalisme à leur aide. Rien n'a plus confus, gêné et embittered les carrières de Wagner et de See also:Liszt et de leurs disciples que la See also:guerre de papier qu'elles ont fait tout dans leur puissance d'encourager. Aucun doute il a eu un but utile, et, comme rien n'a les moyens un plus grand champ pour l'intrigue que la production des opéras, il est au moins possible que les travaux colossaux et unprecedentedly chers de Wagner ne pourraient pas même à aujourd'hui ont obtenu une audition si Wagner lui-même avait été un délicat et l'homme hésitant et ses partisans avaient tous étés les amoureux et les practisers discrets de l'art. Quant à l'accomplissement de Wagner il n'y a maintenant aucune divergence de See also:vues importante. Il a survécu toutes les attaques pendant que la musique de résultat la plus monumentale a réalisé à l'aide d'autres arts. Ses antécédents doivent être cherchés dans beaucoup de régions très à distance. Le rediscovery, par Mendelssohn, des travaux choraux de Bach, après un siècle d'oblivion, a indiqué les possibilités d'expression polyphonic dans un grandeur que même Handel a rarement suggéré; et Mendelssohn inspiré avec des idées importantes dans concevoir des oratorios comme wholes. La See also:fusion complète de la méthode polyphonic avec la conception externe et harmonique, sous le même stimulus, avait été portée une étape plus loin que Beethoven au moyen d'expression harmonique de Schumann et lyrique plus concentrée. Cela le plus See also:sauvage de tous les romanticists, See also:Berlioz, bien qu'il ait eu le sens moins polyphonic que n'importe quel compositeur avant qui jamais ou depuis la distinction atteinte, néanmoins nouvelles possibilités importantes indiquées dans son imagination unique dans la couleur orchestral. La décomposition des barrières qui vérifient continuité dans l'opéra classique a été déjà indiquée par Weber, dans lequel l'Euryanthe de mouvements la course une fréquemment dans l'autre, alors qu'au moins vingt thèmes différents sont discoverable dans l'opéra, se reproduisant, comme le leit-See also:motif de Wagnerian, dans la transformation See also:convenable et l'See also:association logique avec des incidents définis et des personnes. Mais beaucoup de choses undreamed de par Weber étaient nécessaires pour accomplir la See also:panne des barrières classiques; pour le pas entier du mouvement musical a dû être emancipated de l'influence des idées instrumentales. C'était la réforme la plus colossale jamais essayée par un homme du vrai équilibre artistique; et même l'incontestable, bien que non See also:poli, génie dramatique montré dans le libretti de Wagner (le premier dans ce qu'un grands compositeur et dramatist ont un ans) est mais une petite chose en comparaison des problèmes musicaux quel Wagner surmonte avec un succès étant supérieur immeasurably à tous les défauts sa maîtrise littéraire moins parfaite permise de rester dans sa structure dramatique et diction poétique. Indépendamment des squabbles de Wagnerian et de journalisme anti-Wagnerian, la difficulté en chef de ses défenseurs et les antagonistes s'étendent vraiment en cette question du pas de la musique et de la largeur conséquente de l'harmonie et de la conception. L'ouverture du WalkUre, dans lequel, avant que le See also:rideau se lève, le bruit de conduire la See also:pluie est reproduit par les ordres très simples qui prennent à seize de longues barres au mouvement un pas à pas, pas , en tant que musique instrumentale, comparer favorablement pour le laconisme et la variété aux vingt premières barres de l'See also:orage dans le symphonie pastoral de Beethoven, où au moins quatre incidents différents dépeignent loyalement non seulement les premières baisses de la pluie et du See also:tonnerre éloigné, mais dans tous sentiments de dépression et d'appréhension qu'ils inspirent, sans compter que porter l'auditeur rapidement par trois clefs différentes dans l'ordre chromatique. Mais l'orage de Beethoven est idéalisé, dans son élévation entière et chute, dans un espace de cinq il est strictement appliqué à ce principe par lequel chaque travail des minutes. La tâche de Wagner est de choisir cinq vraies minutes près de l'extrémité de l'orage et de les traiter sans une plus grande variété que l'action du drame exige. Quand nous avons appris à dissocier nos esprits des idées non pertinentes d'un art instrumental plus tôt, nous constatons que les larges espaces de Wagner contiennent le tout ce qui est nécessaire. L'art sur une grande échelle semblera toujours avoir les espaces vides, à condition que nous comptions trouver dans elle le genre de détail approprié à l'art sur une plus petite échelle. Les nouvelles ressources harmoniques de Wagner sont de semblable et une origine plus complexe mais pas moins plus légitime. Dans le Hollandais de fliegende de Der elles sont, comme son champ rhythmique plus large, imparfaitement digéré; en fait, beaucoup de son travail avant que le See also:Meistersinger, dans les pièces rapportées, soit rabaissé par l'influence de See also:Meyerbeer. Mais dans le sien travaille plus tard plus la son langue harmonique est étudié plus d'une manière concluante il se montre que était une chose logique et maîtrisée plus étroitement. Son traitement de clef est naturellement adapté à un état de choses dans lesquelles les conceptions sont trop longues lointain pour que l'esprit attache n'importe quelle importance pour les travaux finissant dans la clef dans laquelle il a commencé. Comparer le clef-système de Wagner à celui d'un symphonie est comme comparer la perspective et la composition d'un See also:panorama à la perspective et la composition d'une See also:image de See also:support. En effet les différences sont avec précision analogues dans les deux cas; et le sens de Wagner de l'harmonie et de la clef s'avère sur la recherche être le sens classique vraiment adapté à ses nouvelles conditions. Pour cette raison même il est en détail tout à fait non pertinent à l'art symphonique; et il n'y avait rien anti-Wagnerian dans les raisons pour lesquelles See also:Brahms a eu ainsi peu pour faire avec lui dans sa musique, bien que chaque circonstance des polémiques personnelles et des persécutions légèrement déguisées de la jeunesse de Brahms aient été assez pour donner à n'importe quel upholder d'art symphonique classique un préjudice enraciné à tout portant le nom de "romantique." Côte à côte avec Wagner beaucoup de fervents placent Liszt; et il est, indisputable que Liszt a eu l'esprit à un plus grand et plus See also:lent écoulement de l'ordre musical étroitement apparenté à Wagner, et, aucun doute, partiellement indépendant de lui; et d'ailleurs, cet un des objectifs de Liszt devait s'appliquer ceci à la musique instrumentale. En outre sa maîtrise et puissance poétique en tant que joueur de pianoforte ont été loyalement reflétées dans son traitement postérieur de l'See also:orchestre, et ont assuré une plausibilité rhétorique extraordinaire pour quelque chose qu'il a choisi de dire. Mais ni princely le magnanimity de son caractère See also:personnel, qui s'est montré dans sa générosité de même aux artistes de lutte et à ses adversaires, ni le grand stimulus qu'il a donné (tous les deux par ses compositions et ses efforts et encouragement personnels unceasing) à de nouvelles idées musicales sur les lignes romantiques, ne doit à cette heure nous aveugler au creux et au vulgarity essentiel de son modèle. Ces qualités malheureuses n'ont pas fixé pour sa See also:acceptation populaire immédiate de compositions; pour elles étaient étées supérieures par la nouveauté vraie de ses objectifs. Mais récemment elles ont donné à ses poésies symphoniques une attraction qui, alors qu'elle a galvanisé un intérêt tardif pour ces travaux, a fait l'See also:abat-jour de beaucoup de critiques à leur importance historique comme base des nouvelles formes qui ont subi un développement de brillant de sensational sous See also:Richard See also:Strauss. En attendant la politique de partie de la musique moderne a fait beaucoup pour distraire une attention publique des travaux de Brahms, qui ont continué la véritable méthode classique de sonata-formes dans son musique orchestral et de chambre, alors qu'il n'était aucun moins grand et See also:original en tant qu'auteur des chansons et de la musique chorale de toutes les sortes. Il a également développé le pianoforte lyrique et a élargi sa gamme. Sans perdre sa unité caractéristique elle a assumé une liberté et un largeness d'expression jusqu'ici seulement atteints dans les sonatas. Par conséquent, cependant, le travail de Brahms, comme Bach, a semblé, de sa continuité avec les formes classiques, See also:regarder vers l'arrière plutôt que vers l'avant. En effet la réputation de Brahms est dans beaucoup de quarts qui d'un réactionnaire scolaire; juste comme Bach était, même à un moment où le mot "scolaire" a été tenu pour pour plutôt un titre d'See also:honneur que de reproche. Quand les points de vue contemporains de la critique sont établis par la production des oeuvres d'art dans lesquelles les nouveaux éléments ne seront plus à la guerre entre eux et avec le tout, peut-être on l'identifiera une fois de plus que l'idée du progrès n'a aucune valeur comme un unlessart See also:standard critique doit différer dans chaque partie de sa forme de chaque autre travail, avec précision dans la See also:mesure où son matériel diffère et pas plus. Puis, peut-être, comme Bach See also:conservateur après que cent ans de négligence se soient indiqués comme force le plus profondément moderne dans la musique du 19ème siècle, alors que cela de ses fils doués et progressifs devenait une mode oubliée dès que leur but a été atteint par de plus grands maîtres, peut ainsi l'époque musicale qui semble maintenant s'être fermée soit rappelée par posterity comme âge, pas de Wagner et du pionnier Liszt. mais l'âge de Wagner et de Brahms. On se rappellera l'également plus que probablement car l'âge dans lequel l'interprète a cessé d'être nécessairement l'intellectuel inférieur du compositeur et du See also:disciple musical. Excepté Wagner et Berlioz chaque grand compositeur, puisque Palestrina a chanté dans le See also:choeur papal, a payé sa manière en tant qu'interprète; mais Joseph See also:Joachim était le premier qui a jeté l'esprit entier d'un grand compositeur dans la carrière d'un interprète; et l'exemple a placé par lui, lame, See also:Clara Schumann et la bourrique See also:Lind, cependant a suivi très de peu d'autres artistes, suffis dissiper pour jamais la vieille association de l'interprète musical avec le See also:mountebank. L'influence de Joachim sur Brahms était incalculable. Les deux compositeurs se sont réunis au moment où les nouvelles tendances musicales commençaient à réveiller la polémique violente. À l'âge de vingt et un Joachim avait produit dans son Hongrois See also:Concerto un travail de la maîtrise classique élevée et de la grande See also:noblesse, et sa technique dans la forme et la texture était alors considérablement en avance sur Brahms. Pendant quelques années Joachim et Brahms ont échangé des exercices contrapuntal, et beaucoup du plus grand et le plus parfait des premiers travaux de Brahms doivent beaucoup à la critique de Joachim. Pourtant il est impossible de regretter que Joachim lui-même n'ait pas continué comme un compositeur le travail qu'il a tellement noblement commencé, quand nous réalisons l'énorme influence à lui qui joue dans l'histoire de la musique moderne. Par lui nous nous sommes familiarisés avec un niveau de l'exactitude dans l'exécution que tous les efforts généreux de Wagner et de Liszt pourraient à peine avoir rendue indépendante de leur propre propagande spéciale. Et par lui la musique classique a été noté à une question de la connaissance publique véritable, avec une See also:absence unique à partir de ceux popularisant les tendances qui investissent l'erreur vulgaire avec l'autorité de la vérité scolaire. Il y a à cet égard un vrai changement en forme de culture musicale moderne. Aucun compositeur sérieux à aujourd'hui ne consacrerait un grand travail à un artiste que, comme F. Clement, pour qui Beethoven a écrit son violon Concerto, effectuerait le travail dans deux parties et entre elles le jeu un sonata pour le violon sur une corde avec le violon à l'envers. Mais il est à peine vrai que Wagner et Liszt aient produit un vrai changement du niveau de la culture générale parmi des musiciens. Leur travail, particulièrement Wagner, fait, comme Gluck, appel à beaucoup d'intérêts spécifiques, et eux littéraires et philosophiques eux-mêmes étaient les causeurs brillants; mais la musique demeurera toujours la plus égocentrique des arts, et les hommes de la culture vraie mesureront la profondeur et la gamme de l'esprit du musicien par le spontaneity et l'exactitude de sa expression musicale plutôt que par son volubility sur d'autres sujets. Les plus grands musiciens n'ont pas souvent été des maîtres de plus d'une langue; mais ils ont toujours été des hommes de culture vraie. L'information et commentaires additionnelsIl n'y a aucun commentaire pourtant pour cet article.
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